L'art au début du 20ième siècle

Le début du 20ᵉ siècle

En 1900, Sigmund Freud publie L'interprétation des rêves, un ouvrage influent qui affirme que l'inconscient et les pulsions internes, dont les gens sont largement inconscients, contrôlent le comportement humain.

Ces idées ont exercé une grande influence sur les artistes du XXe siècle, notamment les surréalistes, dont nous parlons dans un autre article.

En 1902, Marie et Pierre Curie réussissent à isoler pour la première fois le radium, un élément radioactif.

En 1903, Orville et Wilbur Wright font voler le premier avion à moteur. Soixante-six ans plus tard, l'homme marchera sur la Lune.

En 1905, Albert Einstein crée sa théorie de la relativité, qui modifie notre conception du temps, de l'espace et de la matière. La matière ne peut plus être considérée comme solide ; elle est une forme d'énergie.

Le monde moderne s'adapte à une nouvelle société, urbaine, industrielle et laïque. Un tsunami d'emplois urbains s'est ouvert dans les usines, attirant les populations rurales dans des villes surpeuplées et dans un nouvel environnement urbain impersonnel.

La nouvelle société industrialisée crée de nouvelles richesses. Simultanément, les tensions entre les classes sociales ont entraîné de violentes révolutions en Russie, au Mexique et en Chine.

En médecine, l'amélioration des vaccins et de la santé publique a permis d'allonger l'espérance de vie et de réduire le taux de natalité. Les gouvernements se sont étendus à de nouveaux domaines tels que l'éducation, la réglementation de l'argent, les usines et la sécurité des produits.

Caractéristiques de l’art début 20ᵉ

Les caractéristiques de l'art du début du 20ᵉ siècle reflètent ces grandes transformations, à savoir les changements rapides, la diversité, l'individualisme et l'exploration.

Les innovations des impressionnistes et des post-impressionnistes ont donné naissance à un éventail étourdissant de nouveaux styles qui ont commencé à remettre en question les valeurs de la classe moyenne.

À la recherche de formes pour exprimer cette nouvelle ère, les artistes européens s'inspirent des cultures anciennes et non occidentales. Comme van Gogh s'inspirera de l'art des estampes Japonaise, ou Picasso de l'art Africain.

C'est à ce moment-là que l'ère moderne a achevé de se détacher des pensées et des techniques artistiques de la Renaissance qui, jusqu'alors, avaient dominé l'art occidental pendant 500 ans.

À l'aube du nouveau siècle, des artistes français avant-gardistes étudient les œuvres des post-impressionnistes. Certains s'inspirent de l'orientation analytique d'artistes tels que Paul Cézanne et Georges Seurat, tandis que d'autres se concentrent sur les capacités plus expressives des éléments formels, telles qu'elles ont été exprimées par des artistes comme Vincent van Gogh et Paul Gauguin.

Inspiré par le camp expressif, l'artiste français Henri Matisse a pris la tête d'un groupe d'artistes qui ont expérimenté des aplats de couleurs vives et des coups de pinceau énergiques. Leurs couleurs sauvages et dissonantes ne tenaient pas compte des couleurs naturelles du sujet et choquaient les sensibilités de l'époque. Pour leur "orgie de tons purs", un critique les a appelés Les fauves, ce qui signifie "les bêtes sauvages". "Les Fauves" est alors devenu leur surnom et le Fauvisme, leur mouvement.

Ils utilisaient les éléments du dessin comme des fins en soi. Comme des expressions de l'essence des choses. Essentiellement, ils ont libéré la couleur de la nécessité de décrire le monde observable. L'influence du fauvisme a conduit les artistes à remettre en question le rôle de la couleur dans la peinture et la représentation de la réalité. Dans la peinture fauve, la couleur est toujours vive et pure. Elle prend le pas sur le dessin et la réalité de la représentation. Avec cette incroyable rupture avec la tradition, Henri Matisse est considéré comme l'une des figures de proue de l'art moderne et sans doute l'un des artistes les plus importants de la première moitié du XXe siècle.

Matisse et l’expressionnisme

Outre les capacités expressives d'artistes tels que Van Gogh et Gauguin, Matisse a passé du temps à Alger, au Maroc et en Espagne et a été influencé par l'art africain, islamique et mauresque.

Avec ses couleurs vives et ses lignes arabesques, Matisse peint toujours la joie. À son époque, il a été critiqué parce qu'il a vécu les deux guerres mondiales sans que ses œuvres reflètent cette réalité. Même si sa fille Marguerite a été capturée et torturée par les nazis, son œuvre n'a jamais suggéré cette réalité parce que son inspiration venait d'un endroit différent.

Dans son portrait, Matisse n'a pas cherché à utiliser des harmonies suaves de tons froids et chauds. Au contraire, les couleurs chantent avec une intensité maximale. Cette liberté de composition et les nombreuses couleurs non-naturalistes comme le rouge, le vert et le jaune sur le visage, ainsi que l'aspect brouillon de l'œuvre, ont choqué le public. Un critique a écrit à propos de cette œuvre : "Un pot de peinture a été jeté à la face du public".

Après que cette œuvre ait été attaquée, les célèbres écrivains et collectionneurs d'art Gertrude et Leo Stein sont intervenus et ont acheté l'œuvre. Bien que le fauvisme n'ait duré qu'un peu plus de deux ans, il a eu un effet profond sur l'art. Rompant avec la tradition, la couleur est désormais libérée de la stricte description du monde naturel. La couleur devient un élément expressif indépendant et le fauvisme, un style expressif.

Qu’est-ce que l’expressionnisme ?

L'expressionnisme est un terme général désignant l'art qui met l'accent sur les sentiments et les émotions intérieurs plutôt que sur la représentation objective.

Au lieu de peindre ce qui est "à l'extérieur", les artistes ont commencé à suggérer ce qui est "à l'intérieur", grâce à leurs formes et à leurs couleurs très expressives.

L'expressionnisme dans l'art est donc un véhicule pour représenter les états psychologiques intérieurs et peut même être retracé depuis l'art baroque du XVIIe siècle jusqu'à l'œuvre de l'artiste romantique Eugène Delacroix, qui a influencé le post-impressionniste Vincent van Gogh.

À l'instar des Fauves, les artistes allemands progressistes de l'époque admiraient le travail des post-impressionnistes. Ils étaient cependant également très touchés par l'introspection et l'intensité de l'œuvre du peintre norvégien Edvard Munch.

Nous appelons ces artistes les expressionnistes allemands. Dans leurs œuvres, ils déforment la couleur, l'échelle et l'espace pour exprimer leurs sentiments subjectifs à l'égard de ce qu'ils voient.

Leurs préoccupations étaient émotionnelles et spirituelles et, après le début de la Première Guerre mondiale, l'expressionnisme allemand est devenu un mouvement de protestation amère ainsi qu'un style d'art moderne.

Il est important de rappeler qu'il s'agit d'un moment charnière. Après la fin de la Première Guerre mondiale en 1918, nous assistons à la fin de l'empire allemand et de la monarchie et à l'instauration de la république de Weimar. La pandémie de grippe de 1918 a par ailleurs décimé l'armée allemande.

Ce genre de pandémonium dans la vie des personnes a entraîné autant l'obscurité que la créativité dans les arts. Les artistes allemands ont cherché, par le biais de l'expressionnisme, à faire face à la condition humaine.

Deux groupes expressionnistes allemands, The Bridge et The Blue Rider

The Bridge (Die Brücke) combine l'art traditionnel avec des motifs africains et océaniques, ainsi que l'art tribal et des aplats de couleurs fauvistes pour créer son style.

Ils se considèrent comme un groupe d'avant-garde qui jette un pont entre le passé classique et leur perception de l'art du futur.

Le groupe du Cavalier bleu (Der Blaue Reiter) était dirigé par Wassily Kandinsky, dont nous avons parlé dans un autre article. Inspiré par les Fauves, le groupe du Cavalier bleu aspirait à exprimer des vérités spirituelles à travers son art.

Ils croyaient au lien entre l'art visuel et la musique, aux associations spirituelles et symboliques de la couleur et à une approche spontanée et intuitive de la peinture. Kandinsky aimait utiliser des termes musicaux et spirituels pour décrire sa pensée et son processus artistique.

Précisons que Kandinsky avait une capacité de synesthésie. Il percevait les sons comme des couleurs, il pouvait “voir la musique”, ce qui bien sûr le prédisposait parfaitement au genre d’art vers lequel il s’est dirigé.

Dans Blue Mountain, il disait qu'il créait un chœur de couleurs. Ici, il fait quelque chose de très moderne. Malgré les représentations des cavaliers et du paysage. Kandinsky semble élever la couleur elle-même au rang de sujet. Il a fini par créer quelques-unes des toutes premières œuvres d'art non représentatives.

En rejetant le sujet du monde matériel, Kandinsky se sentait appelé à créer une nouvelle ère de spiritualité pour le monde moderne.

Le cubisme et Pablo Picasso

Dans le sillage des Fauves, le cubisme est l'un des styles d'art visuel les plus importants et les plus influents du début du vingtième siècle.

Inspirés par les expériences structurelles de Paul Cézanne et par les abstractions créatives et la puissance de la sculpture africaine, vue pour la première fois au musée ethnographique du Palais du Trocadéro à Paris, les artistes espagnols Pablo Picasso et français Georges Braque ont créé le cubisme en 1907.

Alors que les Fauves avaient libéré la couleur, les cubistes commencent à libérer la structure.

Cette œuvre révolutionnaire, Les Demoiselles d'Avignon, est une peinture menaçante de 243,9 × 233,7 cm, représentant cinq femmes dans un bordel. Pour préparer cette œuvre, Picasso a réalisé plus de 100 esquisses et peintures préliminaires. Ici, Picasso s'est attaqué au problème de la représentation des trois dimensions dans un plan pictural bidimensionnel.

Il a fusionné la figure et le sol, en mettant l'accent sur les éléments bidimensionnels et en rejetant radicalement le système de perspective linéaire de la Renaissance, vieux de 500 ans. Cette œuvre semble fracturée, comme si une grande vitre avait été placée sur le tableau et l’avait violemment frappée.

La figure de gauche évoque les caractéristiques d'un style égyptien. Les deux figures centrales sont réimaginées dans le style ibérique de l'Espagne natale de Picasso, tandis que les visages des deux figures de droite s'inspirent de la sculpture africaine. Comme Picasso l'a déclaré un jour, ces inspirations l'ont incité à "libérer un style artistique tout à fait original, d'une force irrésistible, voire sauvage".

Alors que les artistes européens traditionnels avaient toujours poursuivi leur idée de la beauté, Picasso, par la stylisation et la distorsion, célèbre le pouvoir féroce de la laideur.

Regardez cette figure sur la droite, s'agit-il de sa face avant ou de sa face arrière ? Regardez le fruit menaçant en bas, qui ressemble à une arme tranchante. Picasso n'a pas exposé publiquement cette œuvre avant 1916 et beaucoup de ses pairs, qui avaient déjà vu l'œuvre dans son atelier, l'ont trouvée très déplaisante.

Offensant la scène artistique parisienne de l'époque, Les Demoiselles d’Avignon a suscité un choc, un dégoût et une indignation quasi unanimes.

Georges Braque, qui travaillera plus tard avec Picasso et développera le cubisme, est fasciné, mais troublé, lorsqu'il voit l'œuvre pour la première fois et dit à Picasso : "Vous pouvez donner toutes les explications que vous voulez, mais votre peinture donne l'impression que vous essayez de nous faire manger des déchets de coton et de les laver avec du kérosène".

Le fauve André Derain a déclaré : "Un jour, nous découvrirons que Pablo s'est pendu derrière sa grande toile".

Même Henri Matisse pensait que Picasso ridiculisait le mouvement moderne et faisait une mauvaise blague. Matisse avait qualifié les figures du tableau de "hideuses".

Les deux styles de cubisme

Les peintres cubistes rejetaient l'idée traditionnelle selon laquelle l'art devait copier la nature ou que les artistes devaient adopter les techniques traditionnelles de perspective, de modelage et de raccourcissement. Ils voulaient au contraire mettre l'accent sur le caractère bidimensionnel de la toile.

Ils ont donc réduit et fracturé des objets en formes géométriques, puis les ont réalignés dans un espace peu profond, semblable à un relief. Les cubistes considèrent leurs sujets sous des angles multiples. Évitant dans un premier temps les couleurs vives, les cubistes ont utilisé des couleurs neutres pour se concentrer sur la structure.

Même si Picasso a fait la première percée, Braque a travaillé pour développer plus complètement le langage du cubisme.

Si l'on compare Gardanne de Cézanne en 1886 (à gauche) aux Maisons de l'Estaque de Braque en 1908 (à droite), on constate une progression directe dans le développement du cubisme.

Alors que l'œuvre de Cézanne suggère encore la perspective et la profondeur, les formes de Braque semblent envahir la toile sans qu'il y ait le moindre recul des formes dans l'espace.

Matisse commentera avec dédain que cette œuvre parait n'être rien d'autre qu'un tas de petits cubes — d'où le nom de cubisme.

Les deux styles de cubisme

Il existe deux styles de cubisme. Le premier est le cubisme analytique (qui fait référence à l'analyse de la forme).

Dans le cubisme analytique, le sujet est vu sous différents angles, puis peint de manière abstraite avec des références géométriques à ces vues.

La palette est neutre, sans les distractions émotionnelles de la couleur. Dans le portrait, "Le Portugais", Braque a peint un homme assis à une table et jouant de la guitare. L'homme a été réduit en petits morceaux et recombiné avec l'arrière-plan, créant ainsi un espace peu profond. Les lettres et les chiffres peints au pochoir jouent avec la perception de l'espace en 2D et en 3D.

Le second style est appelé cubisme synthétique (qui fait référence à l'assemblage ou à la synthèse de la forme).

Il s'agit d'un style de cubisme qui réintroduit la couleur, les surfaces texturées et à motifs, ainsi que l'utilisation de formes découpées. Il réintroduira ce que l'on appelle le collage, qui est une œuvre réalisée en collant divers matériaux, tels que des chutes de papier, des photographies et des tissus sur une surface plane.

Dans Nature morte au cannage de chaise, Picasso nous oblige à discuter de l'art et de l'artisanat en introduisant dans son œuvre des objets produits industriellement, tels que le cannage de chaise faussement imprimé et le cadre en corde. Il introduit une culture commerciale de bas étage dans une culture artistique de haut niveau.

On peut voir les lettres JOU au-dessus d'une forme fragmentée évoquant un journal en liasse. Ces lettres pourraient faire référence de manière ludique aux premières lettres de Journal, ou au mot jouet.

Picasso a poursuivi ses explorations cubistes influentes dans d'autres formes d'art telles que la sculpture, où, grâce à des feuilles de métal, il a introduit des formes plates et superposées pour construire sa célèbre œuvre, la Guitare.

Jusqu'à présent, la plupart des sculptures étaient sculptées ou modelées. Cependant, depuis la création de cette œuvre, la plupart des sculptures contemporaines sont désormais construites, sous une forme ou une autre.

Grâce à ses incroyables percées dans le cubisme, Pablo Picasso est considéré, à juste titre, comme l'un des artistes les plus influents de la première moitié du XXe siècle. C'est un géant de l'histoire de l'art moderne.

La sculpture au 20ᵉ siècle

À la traîne de la peinture, la sculpture du début du XXe siècle n'a pas tardé à rompre avec le passé et à entamer sa propre marche vers l'abstraction.

Comparée aux peintures novatrices de l'époque, la sculpture était encore fermement attachée à la tradition et restait à la traîne. En fait, certains des sculpteurs les plus précoces et les plus aventureux du début du XXe siècle étaient en réalité les grands innovateurs de la peinture, comme Henri Matisse et Pablo Picasso.

Au début du XXe siècle, Auguste Rodin était encore considéré comme le sculpteur le plus influent de l'époque.

Cependant, des sculpteurs tels que le Roumain Constantin Brancusi ont commencé à libérer leurs œuvres de ces anciennes traditions de manière radicalement nouvelle. On constate la progression de Brancusi, d'un naturalisme romantique plus traditionnel, vers l'abstraction.

Inspiré par l'élégance abstraite des sculptures anciennes des Cyclades, îles de la mer Égée, Brancusi a commencé à simplifier ses formes jusqu'à leur plus simple expression. Il a déclaré :

Dans Oiseau dans l'espace, l'élégante sculpture de Brancusi est censée incarner l'essence du vol. L'œuvre était considérée comme tellement nouvelle et radicale qu'en 1928, la sculpture a été taxée d'un droit d'importation lorsqu'elle a été introduite aux États-Unis.

Des douaniers confus ont classé "Oiseau dans l'espace" dans la catégorie des "ustensiles domestiques ou instruments chirurgicaux" et ont facturé 240 dollars au propriétaire/transporteur. Les droits ont été payés. Plus tard, après une bataille judiciaire fructueuse lors de laquelle les deux parties ont fait appel à des témoins, l'argent a été remboursé. Il a été établi qu'il s'agissait bien d'une œuvre d'art exonérée de droits d'importation. Il est important de se rappeler que l'art moderne, parce qu'il était si nouveau et si radical, a posé des problèmes liés à la définition du terme "art".

Les débuts de l'art moderne aux États-Unis

Les États-Unis étant un pays beaucoup plus jeune que leurs homologues européens, ils étaient par comparaison conservateurs sur le plan artistique au début du 20ᵉ siècle.

La plupart des artistes américains de l'époque peignaient comme les artistes européens au milieu des années 1800. Toutefois, lorsque l'Exposition internationale d'art moderne, plus connue sous le nom d'Armory Show, a fait irruption sur la scène en 1913, les choses ont commencé à changer rapidement.

L'Armory Show a été l'un des événements culturels les plus spectaculaires de l'histoire du XXe siècle. L'exposition controversée d'environ 1300 œuvres a été vue par plus de 300 000 personnes à New York, Boston et Chicago.

Les critiques du New York Times ont qualifié l'exposition de "pathologique". D'autres critiques ont décrit les artistes comme des "lanceurs de bombes, des fous, des dépravés". Ce fut un moment culturel très important, car, à grande échelle et pour la première fois, il exposa les États-Unis au modernisme européen.

Avant l'Armory Show, seuls quelques artistes américains étaient au courant de ce qui se passait en Europe sur le plan artistique.

L'un d'entre eux était Alfred Stieglitz, photographe américain et propriétaire de la 291 Gallery à New York. Sa galerie a été la première à exposer des œuvres d'artistes modernes tels que Cézanne, Matisse, Brancusi, Picasso et Braque en Amérique.

Stieglitz a également commencé à exposer les premiers modernistes américains, comme Georgia O'Keeffe, qu'il a épousée plus tard. Elle est l'une des premières artistes américaines à pratiquer l'abstraction pure.

Certaines des peintures les plus populaires d'O'Keeffe sont des œuvres abstraites et simplifiées représentant des fleurs agrandies, des gratte-ciel new-yorkais et des paysages du Nouveau-Mexique.

La montée du futurisme

À la même époque, en Italie, on assiste à la montée du futurisme. Comme de nombreux artistes de l'époque, leur vocabulaire visuel est directement inspiré du cubisme.

Les futuristes tentent de capturer dans l'art la vigueur, la vitesse et la fierté militante qui, selon eux, caractérisent la vie moderne. Ils ont célébré le mouvement et la machine. Leur manifeste incendiaire, rédigé par le poète milanais Filippo Tommaso Marinetti, appelait à la destruction des musées et des bibliothèques, méprisés comme des "mausolées" ou des structures contenant des choses mortes.

Ils glorifient la vitesse, la violence et la guerre. Marinetti avait déclaré que le monde s'était enrichi d'une nouvelle beauté, celle de la vitesse. Il trouvait une automobile rugissante plus belle que la statue classique tant célébrée de la Victoire de Samothrace.

Marinetti exprimait un dégoût passionné pour tout ce qui était ancien et déclarait : "Nous ne voulons rien savoir du passé." Ils célébraient la voiture, l'avion et la ville industrielle, tout ce qui représentait le triomphe technologique de l'humanité sur la nature, et ils étaient des nationalistes passionnés.

Malheureusement, ils se sont ensuite ralliés au fascisme italien et à Mussolini. Dans le Dynamisme d'un chien en laisse de Giacomo Balla de 1912, Balla n'essaie pas de nous montrer un chien en mouvement, mais plutôt de nous donner la sensation d'être en mouvement.

Dans les Formes uniques de continuité dans l'espace d'Umberto Boccioni, la forme de la figure n'est pas contenue, mais éclate comme une flamme pour fusionner avec l'espace qui l'entoure. La pose de la figure rappelle également la sculpture grecque antique de la Victoire ailée de Samothrace.

Les changements passionnants et le développement rapide des automobiles, des avions et des films à cette époque se reflètent dans l'imagerie des futuristes. Glorifiant la modernité, ils s'attachent à dépeindre les complexités du rythme et du mouvement.

Bien qu'il ne fasse techniquement pas partie des futuristes, l'artiste français Marcel Duchamp a introduit le mouvement dans le langage du cubisme pour créer sa célèbre œuvre, Nu descendant un escalier, n° 2, en 1912.

Dans cette œuvre, Duchamp s'inspire de la photographie stroboscopique qui révèle le mouvement en capturant des images successives d'un objet en mouvement. Cette peinture stimulante suscitera des critiques partout où elle sera exposée.

Lors d'une exposition à Paris, le comité d'accrochage souhaite que le titre soit changé ou que le tableau soit retiré de l'exposition car "on ne peint pas un nu descendant un escalier, c'est ridicule... un nu doit être respecté".

Lorsque cette œuvre a été exposée à l'Armory Show de New York en 1913, elle a fait scandale aux yeux des Américains qui n'étaient habitués qu'à l'art naturaliste.

Les critiques se moquèrent de l'œuvre en la qualifiant d'"explosion dans une usine de bardeaux" et d'"escalier descendant un nu". Même le président Theodore Roosevelt, après avoir vu l'œuvre à l'Armory Show, l'a comparée à un tapis indien Navajo dans sa salle de bain et a déclaré que la peinture souffrait de la comparaison.

Le début du XXe siècle a été une période de changements et de développements artistiques rapides, où les concepts et valeurs traditionnels et préconçus étaient de plus en plus remis en question par l'art nouveau, excitant et moderne.